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屏风画:传统的绢、纸绘画是如何被用来装饰屏
发布日期: 2020-11-08 11:38 发布人:欢乐电玩城 观注度:

  ”的说法,人们会特意将前人的画作进行估价,其中价值最高的就是前代著名画家给屏风作的画品。

  北宋神宗时期,郭熙为宫廷屏风绘制了大量的画。但是,这些画在徽宗时期被拆下来了,然后再把收集的到珍贵古画作换到屏风上。米芾在《画史》中有过这样的记载,宋仁宗曹皇后,曾“尽购李成画,贴成屏风”,就连苏轼也想把收集到的一幅长卷山水画改装成床上的围屏。

  上面提到的用绢、纸画来装饰屏风画面,属于屏风画的其中一种形式。那么,这种形式的屏风画是怎么发展起来的呢?

  唐以前的屏风形式短小,多用吉祥和几何纹样装饰。唐代及其之后,屏风普遍变高,大面积的插屏和曲折的围屏逐渐增多。这为绢、纸绘画成为主要装饰手段提供了舞台。

  据传,唐太宗李世民喜欢书画,让虞世南把《列女传》写在屏风上。另外,《唐书》有记载,宪宗曾将“前代君臣事迹写于六屏”,“宣宗书《贞观要政》于屏风,每正色拱手而读之”。从此以后,绢、纸绘画被大量应用到屏风上作装饰。

  在新疆吐鲁番阿斯塔那发现了唐代木框联屏绢画,如 188 号墓出土的八扇牧马屏风画,上面的绢画虽然有些残缺,但依然可以看出大概风貌。画中绘有鞍马和侍马人,后面还有不同的植物,从人物的衣着上看,具有浓郁的西域风情。还有 230 号张礼臣墓出土的舞乐六扇屏风绢画,屏风上画两舞伎、四乐伎,每扇一人,左右相向而立。右边舞伎的鬓发高挽,额描花钿,曲眉凤目,脸庞圆润丰满,颇具唐代的审美风尚。

  唐朝之后,五代至清朝各个历史时期都留下了许多珍贵的屏风画,而且,屏风画的发展与中国画的发展是同步进行的。

  另外,屏风画里蕴含的审美和人文观也会投射出那个时代的面貌。例如清朝有一组著名的屏风人物画《雍亲王题书堂深居图屏》,画家生动地刻画了清代宫廷女子品茶、赏蝶、沉吟、阅读等闲逸生活。此外,画家还逼真地再现了当时最流行的妆容,写实地描绘了女子的冠服、发式和首饰等。

  不过,用现在的审美目光来看,画里虽然画的是 12 个女子,但让人觉得是同一人物换了 12 套衣服,就好像是模特快速穿衣、换场景拍摄出来的淘宝照片。清代的人物画大多存在这个问题,当然,这不是画家塑造能力的问题,而是受到社会审美风格和帝王权贵的影响。

  关于人物画最早的现存实物,是战国时期的两幅帛画,《人物龙凤帛画》和《人物御龙图》。画里的人物形象以墨线勾勒,并用清淡的色彩稍加渲染,其余部分采用白描手法处理,以单线平涂为主。

  魏晋南北朝时期,文人开始摆脱封建礼教的束缚,有更多的思想自由。在绘画艺术中,画家们开始注重塑造人物的性格,表达人物的内心世界。另外,顾恺之提出“以形写神”的主张,推动人物画朝着“神形兼备”的道路发展。

  唐初阎立本的《步辇图》,生动地描绘了不同人物的身份和精神气质。之后,盛唐的吴道子有吴带当风的美誉,他将人物描绘成衣带飘飘欲举,让人有微风拂面的感觉。到了中唐时期,张萱和周昉的作品,《捣练图》、《簪花仕女图》、《虢国夫人游春图》,这些画作中的人物形象面貌,丰润圆满,用线工细、劲健流畅,设色明快。

  五代时期的人物画大师顾闳中,其作品《韩熙载夜宴图》,造型、用笔、设色极具功力。同时期的画家周文矩,在《重屏会棋图》和《文苑图》中,精细刻画了人物的神情,并运用了他自己独特创的“战笔”技法勾勒形象,线条细劲曲折,略带起伏轻挫。

  宋人物画名家李公麟,将文人的意趣注入到人物画,深挖画作主题,表现出了深刻见解。但人物画从元代开始出现了衰败迹象,元明清三代有成就的人物画家寥寥可数,只有明清的大画家陈洪绶,使中国传统人物肖像画在画坛上独放异彩。其用线涩与润、繁与简、刚与柔对比,展现出他扎实的白描功底。

  而在清代,中国绘画开始吸收一些西方绘画的优点,人们开始吸收西方绘画技法中的透视、光影、色彩等,使中国人物画有了更加丰富多彩的表现手法。

  从其发展来看,花鸟画在夏、商、周时期开始出现,在隋、唐、五代时期成为一门独立的学科,到宋、元、明、清发展成熟,经过几千年的发展,它已成为一个完整的艺术体系。

  魏晋南北朝时期,文人画家开始将花鸟作为独立的绘画题材。顾恺之画有《凫燕水鸟图》、陆探微有《溪鸟图》、顾景秀画《蝉雀图》和顾野王作品《草丛图》等。

  从唐代起,花鸟画开始发展成一门独立学科。初唐时期,出现了一批专门画花鸟题材的画家。 他们在表现方法方面,下笔轻利、用色鲜明,对后来的五代时期产生了很大的影响。五代西蜀黄筌擅长画珍禽异卉,工整细致、富丽堂皇。同时代徐熙开辟了没骨花鸟画法、水墨淡彩,富有野趣,有“黄家富贵,徐熙野逸”之说。

  到了宋代,花鸟画达到了高峰,并成立了宫廷画院,重彩、淡彩、水墨、工笔、写意风格并驾齐驱。宫廷画院的花鸟画,注重写生,追求细节的真实,是宋代花鸟画艺术风格的主流。北宋时期出现了文人花鸟画,代表人物苏东坡,主张绘画要取其意气,得于象外,求画外之意,重神似,轻形式,提出了“论画以形似,见与儿童邻”的主张,这为今后文人写意花鸟画的形成与发展奠定了理论基础。

  元代的倪云林,提岀“逸笔草草,不求形似,聊以写胸中逸气”的主张。而明代的大写意花鸟画家徐渭,则坚持把绘画和文学书法结合起来,要求书中有画,画中有诗,轻形似,求意趣,重神韵,提出“绘画不难于写形,而难于得意”。其作品泼辣豪放,开辟了花鸟画的新途径。

  清代画家石涛,也主张遗貌取神,提出“不似之似似之”。笔墨要与时俱进,艺术要集中典型,要有自己的面貌。近代画家齐白石提出了“似与不似之间”的观点,形成了一套传神写意、抒情言志的理论。同时也出现了一批继承传统又有创新的花鸟画家。

  从隋开始,山水画就从人物画中逐渐分离出来。而展子虔的《游春图》被认为是中国第一幅独立的山水画,画中的山、水、村、石作为主体出现在画面中,而人、马等只是画面的陪衬。

  唐代前期的山水画被后人称为青绿山水,代表人物李思训、李昭道,他们的作品《江帆楼阁图》、《春山行旅图》和《明皇辛蜀图》都是典型的青绿山水。之后王维的出现,对之后中国山水画的发展方向产生了很大的影响。他在《画学秘诀》中写道,“画道之中,当水墨为上,肇自然之性,成造化之功”,使今后的山水画以水墨的形式进行绘制。

  五代是山水画发展的重要阶段,由于南北分裂的状况,导致山水画两极化,北方是生动雄伟之峻岭的北派,其代表有荆浩、关仝。而南方则是秀丽江南山川的南派,代表画家有董源、巨然。

  到了宋朝,山水画描绘的是北方山川景物,以李成、范宽为代表,其中李成的寒林平远和范宽的崇山峻岭,都是非常鲜明生动的山水画形象。除此之外,还有郭熙、米友仁、王希孟等人,他们创造了新的风格和技法,代表了这一时期绘画的新水平。

  从元代开始,从元代起,文人画在绘画领域开始成为主流。当画家起笔画画时,会注重内心世界的表露,追求神似,最终通过笔墨来抒发个人的情感,后人将其称之为写意,领头人物是赵孟頫。元代文人画形成后,经久不衰,持续影响到明清甚至是近代的画风。

  明代画家董其昌,分别将李思训和王维的山水画,视为青绿和水墨两种画技法和风格的始祖,认为山水画应该分南宗和北宗。在他的影响下,明清两代诞生了很多山水画流派,其中以浙派和吴派最有实力。浙派的代表人物有戴进、吴伟,而吴派画家代表有沈周、文征明、唐寅、仇英。

  清初最有名的画家是以王时敏、王鉴、王翚为代表,同时,也有对清政府政治表示不满的画家,他们用艺术的形式来表达中真实的生活感受,其中以石涛为代表的“四僧”最为典型。同时随着西方绘画的介入,打破了中国传统绘画的格局。

  传统绘画和屏风,它们既能各自独立,又能相互融合,并随着社会的发展而演变,以其独特的魅力演绎着人类文明的发展。 本文主要通过讲各个历史时期屏风上绢、纸绘画的发展以及绘画题材,展现各个时代的社会风尚和人们的审美追求。


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